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Invité d'honneur : TOLEDO

Une œuvre au noir

Jean-Luc Toledo a toujours dessiné et peint. Ce fut d’abord une forme de jeu qui s’est bientôt transformée en vraie thérapie. Des dessins narratifs parlant de batailles et de châteaux-forts. Une sorte de film qui s’achevait quand il estimait les images saturées. Les visages sont arrivés vers 16 ans, étape du miroir, de la reconnaissance. Puis les tarots. Il en a réalisé deux (signes et lames) dans un esprit surréaliste. Trois séries de neuf lames, soit vingt-sept au total. Ensuite, il a revisité la numérologie qu’il a épurée et retravaillée comme le tarot en se référant au cycle des Princes d’Ambre de Roger Zelazny. Plus tard, le tarot est revenu sur le tapis avec des amis. Une sorte de tarot intérieur. Il en a créé un ovale. Cependant, Toledo ne s’estime pas tarologue. Il essaie juste par ce biais de s’éloigner de la guerre du bien et du mal. C’est une sorte de chercheur qui a aussi mené un travail thérapeutique avec des sophrologues. Il s’est encore inspiré du livre « Le château des destins croisés » d’Italo Calvino pour finaliser un tarot numérique. Ses tarots sont des œuvres d’art, rien d’autre, un schéma corporel, artistique, poétique et pétri d’humour. A travers elles, il aime jouer avec les choses, les détourner de leur rôle initial même si cela peut mettre le spectateur en colère. Jean-Luc Toledo n’aime pas donner de titre à ses travaux. Il n’aime pas non plus qu’on leur accole la mention « Sans titre ». Alors il les baptise quand même, jouant avec la phonétique, l’humour (parfois noir). Ce sont des clins d’œil, des pieds de nez. Toujours un côté taquin, voire irrévérencieux chez cet éternel gamin qui apprécie l’humour anglais, celui de Devos ou de Desproges. De longue date, il travaille beaucoup autour du visage, souvent par séries, des familles de visages un peu grimaçants, inquiétants à moins qu’ils n’en deviennent risibles. Des animaux ont aussi été représentés. Des cochons, des serpents, de grands singes -qui font écho à sa colère face au fonctionnement des Hommes- des insectes, mais pas d’araignée… Il a également eu une période « ossements » car il trouve la ligne des os belle et poétique. « L’arbre dénudé en hiver révèle toutes ses courbes. Les crânes aussi. », déclare-t-il. D’une manière générale, il apprécie tout ce qui est mis à l’index, estimant le principe de précaution agaçant. « Dieu n’est pas là où on l’attend. » poursuit-il. « La lumière est peut-être dans les choses peu recommandables. »

Jean-Luc Toledo se définit comme peintre-graveur. Au début, il lui a été difficile de passer du petit format au grand. Aujourd’hui, il apprécie tous les formats et passe volontiers de l’un à l’autre. D’ailleurs, au Salon figureront deux ou trois très, très grands formats et des œuvres plus petites voire franchement petites, intimistes même car il est très sensible aux miniatures. L’artiste, dont l’atelier est divisé en plusieurs cases -chacune correspondant à l’une de ses pratiques- démarre de nombreux travaux en même temps. Ensuite, les choses peuvent aller vite ou pas. Au départ il ne sait jamais où il va et la gestation peut être longue. Il reprend ses œuvres régulièrement et suit après son inspiration, créant volontiers des ponts entre ses diverses techniques. Il ne regrette pas de s’être formé 20 ans à l’acrylique. Cela lui est fort utile maintenant. Tenez, par exemple, lorsqu’il travaille à l’acrylique, il dessine d’abord, puis découpe et colle le dessin sur une nouvelle page sur laquelle il va intervenir à l’acrylique. Les couches d’acrylique vont ensuite se succéder de manière rapprochée ou non. Le dessin peut ensuite complètement disparaître.

Jean-Luc Toledo travaille aussi au feutre, puis à l’aérographe. Dans ce cas, autour du dessin, plein de petits détails abstraits. L’ensemble prend ensuite un aspect textile. Cependant, il ne travaille quasiment que sur du papier, rarement sur toile. Plusieurs couches de gel cette fois encore, puis il travaille à la plume par-dessus. L’artiste est également graveur. Il retravaille généralement ses gravures avec de la peinture, puis à la plume. Un même motif est repris avec différents traitements. Il joue avec le graphisme. Il lui arrive aussi de reprendre des gravures pures reprises juste à la plume en noir et blanc. Il a beaucoup pratiqué la gravure sur bois, sur zinc aussi. A Caudebec-lès-Elbeuf seront présentées des gravures essentiellement récentes. Nous aurons aussi deux ou trois grands formats plus anciens (jamais vieux cependant), déjà vus à Vandrimare ou aux Damps. Jean-Luc pratique encore la gouache, l’aquarelle, la sérigraphie qu’il propose en différents formats, avec des collages et une forme d’écriture reprise à la plume. Il aime décidément retravailler ses monotypes. Vite obnubilé par l’image numérique, il travaille aussi sur ordinateur, déforme ses images avec des logiciels, les reprend ensuite au stylet, imprime, puis redessine les images au crayon pour les retrouver ensuite sous forme de gravures. Jean-Luc Toledo est également un grand amoureux des livres et l’on retrouve fréquemment des références littéraires dans son œuvre. Il est aussi très amoureux du papier qu’il fabrique d’ailleurs lui-même. Du papier végétal. Il est sensible encore à l’Art Journal et aux livres-objets qui racontent une histoire. Il en a créé plusieurs, assez épais, a travaillé par thèmes en déformant les mots. Il y a Le livre de chorchellerie qui joue avec la phonétique et qui est plein de drôlerie, où il inverse volontiers l’ordre des choses. Bouzillard est un autre titre, irrévérencieux et en noir et blanc, paru en 1986 dans un esprit BD. Du texte y est intégré, des poèmes cryptés. Que veut-il donc nous cacher ? Il est aussi l’auteur de livres-objets avec des gravures. Il a travaillé pas moins de 10 ans sur les livres-objets, dans un esprit BD, musical aussi. Ce sont les carnets d’un voyage intérieur, des livres-réparations ou pansements, une forme d’autobiographie, un grimoire. Une œuvre magnifique qui mériterait d’être montrée sous vitrine au Salon des Œuvres sur Papier de Caudebec-lès-Elbeuf.

La rencontre de Jean-Luc Toledo avec Alice de la Pinta il y a quelques années marque un tournant dans son œuvre. Avec elle, il travaille l’aquarelle, les entrelacs celtiques, les poissons, les diables médiévaux, l’acrylique, un lien psycho-générationnel avec les ancêtres (2014) dans un esprit textile, tissu. De sa période « animaux », seuls sont restés les insectes. Il travaille beaucoup à la plume dans un esprit textile, tapis, couture, suture. Tout cela est pour lui une manière de réparer son âme, d’aider à sa cicatrisation. En ce moment, il se consacre essentiellement aux gravures et collages. Des gravures sur papier chinois transparent qu’il reprend ensuite à la plume. Le dessin numérique l’occupe volontiers aussi comme le livre-objet réduit cette fois à une dizaine de pages, ou l’aérographie et la sérigraphie. Son œuvre passe aussi par l’huile et beaucoup de crayon. Encadrer son travail a toujours été une opération assez délicate car ses œuvres sont très fragiles. Il a cependant fini par choisir un encadrement classique. Pour le reste, son temps se partage entre son œuvre, des cours et des stages de dessin.

En conclusion, nous pourrions dire que Jean-Luc Toledo est un garçon plein d’humour qui ne se prend jamais au sérieux. Son travail, très chamanique, est une sorte d’alchimie. Il fait appel à l’intériorité de l’être, à la pulsion, à l’émotion. Il s’agit d’une espèce d’œuvre au noir qui lui permet d’exorciser ses peurs d’enfant (entre autres). Son univers, toujours à la limite de la figuration et de l’abstraction, peut paraître un peu effrayant, fantastique, elfique, « mais, souligne-t-il, la peur est en celui qui regarde. »

Elisabeth Le Borgne, critique d'art

Le salon est ouvert tous les jours de 14h à 18h.

Invités d'honneurs : Sylvie MORTAIGNE-BARDET, peintre
Gilbert LANDTHALER, sculpteur

Sylvie MORTAIGNE-BARDET, peintre :

« On expose, on s'expose »
Pour Sylvie Mortaigne Bardet, être l'invitée d'honneur du 42ème Salon de Printemps de Saint-Aubin-lès-Elbeuf est... un honneur ! C'est pourquoi elle a choisi de ne nous montrer que des nouveautés ou presque, ce qui, du reste, va dans le sens de sa philosophie : avancer constamment, éviter de se répéter, ne pas tomber dans l'illustration, faire rêver le public, dire simplement les choses essentielles de la vie, raconter des histoires qui donneront lieu à de belles communions d'âmes... En bref, il est important pour elle de proposer des choses nouvelles à chaque Salon, au moins quelques-unes. C'est une question de respect. De soi-même et du public. C'est ainsi que nous pourrons, du 17 au 25 mars 2018, admirer un triptyque en grand format dédié à l'hiver et à la neige, commencé en été, dans une chaleur caniculaire. Un moyen de se rafraîchir le cœur et les sens peut-être ? La neige est tout soudain devenue une sorte d'obsession. Comment peindre la neige, comment dire ce qu'elle est ?

Le végétal et les oiseaux (mésanges, hirondelles...) de son enfance seront aussi très présents dans l'ensemble de l'œuvre. D'une manière générale, d'ailleurs. Symboles d'une grande liberté, ils sont liés à de vieux souvenirs. Végétation et oiseaux sont aussi prétextes à exprimer des sentiments. Toutes les toiles montrées ici comporteront au moins un oiseau. Ces oiseaux dialogueront entre eux d'une toile à l'autre, entre graphismes, matières, textures, couleurs et constructions, figuration (à la façon de l'artiste) et abstraction. Ce bel hommage à la nature est encore empreint d'une grande émotion qui permet de faire passer bien des messages, de manière inconsciente parfois. Pour cette exposition, Sylvie Mortaigne Bardet dessine ses oiseaux au crayon, directement sur la toile, avant même de faire un fond. Elle structure son travail et cela la rassure. Chaque toile peut fonctionner seule, mais elle peut aussi parfaitement fusionner avec toutes les autres. Chacune suivra son propre rythme dans une grande variété de paysages.

En général, l'artiste se lance directement dans l'aventure, varie les textures, associe l'ancien et le moderne, l'acrylique qui ne laisse pas passer les U.V., une autre qui donne de la transparence à l'ensemble, et des pigments naturels qu'elle utilise depuis peu. Elle a toujours fait des mélanges, refuse les acryliques toute prêtes ou l'huile qui ne sèche pas assez vite à son goût. En ce moment, elle varie les épaisseurs, gratte sa peinture, en remet, teste, s'efforce de dompter la matière sur la toile, une toile qu'elle n'a adoptée que depuis cinq ans. Avant cela, elle travaillait toujours sur papier. Bien que peignant et dessinant depuis l'enfance, Sylvie Mortaigne Bardet ne présente son travail en public pour la première fois qu'en 2008. Une première vente l'encourage à proposer ses œuvres au Salon de Maromme en 2013 où son travail trouve une nouvelle fois attention et acquéreur ce qui assoit mieux encore sa confiance en elle-même. Depuis, elle expose régulièrement son travail.

Petite fille -alors qu'elle s'entraîne à voler comme les oiseaux- elle est constamment insatisfaite de son univers. C'est pourquoi elle a envie de s'en créer un autre, empli de beauté. Elevée à la campagne, elle se nourrit de couleurs, d'odeurs, de vent, de sensations et de lumières, pour transformer les gris en arc-en-ciel. C'est son arrière-grand-mère qui lui offre sa première boîte de peinture à l'eau. Crayons et stylos lui permettent aussi de recopier des choses « banales » ou des animaux qu'elle construit volontiers en papier également, voire de véritables fermes. Sans doute l'ignore-t-elle alors : ses toiles d'aujourd'hui sont déjà en préparation. Jeune adulte, elle suit les cours du peintre Denis Godefroy qui lui apportent beaucoup. Il ne s'agit pas de cours académique, mais d'une constante réflexion sur la peinture, alimentée par les livres. Elle admire Rembrandt, Giacometti, Klimt, Bonnard, Denis... Elle aime la lumière et le clair-obscur. Elle est attirée par ce qui est sombre.

Pour obtenir les teintes souhaitées, elle utilise le noir ou le marron, le brou de noix, le clair et l'obscur. Avec Denis Godefroy, elle dessine beaucoup, souvent sur le motif, sous un saule, rue Eau-de-Robec. Elle a peu de temps pour camper une nature morte. Pas plus de dix minutes. L'œil et le geste doivent marcher de concert. La feuille reste d'abord blanche, puis l'artiste s'y met, à la mine de plomb, au crayon, au graphite, avec lesquels elle obtient de très beaux gris ou noirs. Le groupe travaille aussi dans la nature où elle apprend encore, de son professeur, de ses camarades, élèves en architecture ou aux Beaux-Arts, des synthèses qui ponctuent chaque cours. Cela dure six ans, puis des années durant, elle ne fait plus grand-chose. Jusqu'au jour où elle travaille dans une crèche, avec de jeunes enfants. Elle se met alors à décorer la crèche avec de la couleur. Nous sommes en 1997. Mais ce n'est qu'à partir de 2010 qu'elle reprendra vraiment les pinceaux.

Cette fois, elle travaille énormément. Chez elle, la peinture est systématiquement associée à la poésie et à la musique, toutes deux très rythmées. La poésie -notamment celle de Prévert- l'habite souvent quand elle peint. C'est pourquoi ses titres ne sont jamais choisis au hasard. Cependant, autodidacte, elle doute en permanence de son talent. Un artiste œuvre seul et souffre d'isolement. Ce n'est pas simple d'échanger quelques secrets de cuisine avec des confrères (sauf avec les plus grands qui n'ont plus rien à prouver). Elle le regrette. Elle a du mal à se sentir « libre ». Les écoles apportent ou prennent, mais elles forment les élèves, et ceux qui ne les ont pas fréquentées se sentent souvent complexés. A tort ou à raison. Elle connaît parfois des périodes d'angoisse, de doute total. Rien de plus normal. C'est là le lot de tout artiste digne de ce nom.

Aujourd'hui, Sylvie Mortaigne Bardet s'efforce de se détacher du motif. Très attachée aussi à la photographie qui permet un beau travail autour de la lumière, elle essaie de l'utiliser, puis de s'en libérer pour passer à autre chose. Mais elle ne se sent pas photographe. Elle tente encore les gribouillis de l'enfance (qui n'en sont pas). Elle a également eu une période abstraite qui lui permettait de parler de la pluie, par ex. « L'abstraction part toujours d'un élément figuratif », nous confie-t-elle. Elle nous parle maintenant des choses de la vie, des saisons qui chacune contient mort et renaissance, de la joie, de la tristesse, de l'humour, du vide, d'un monde qui marche sur la tête. Elle se raconte et nous raconte des histoires. « La difficulté, conclue-t-elle, c'est d'avancer vers le point final. Au bout du cheminement on a peur de rater, de déraper, il faut résoudre ce genre de problème. C'est terminé quand l'émotion a atteint son maximum, quand on décide qu'on ne pourra pas faire mieux, techniquement, par ex. »

Elisabeth Le Borgne, critique d'art, écrivain

Gilbert LANDTHALER, sculpteur :

Hommage à la nature
Tôt attiré par les arts-plastiques, Gilbert Landthaler a d'abord peint. Mais, il l'a vite senti, la peinture n'était pas sa voie. Il est devenu sculpteur presque par hasard, lorsqu'il a découvert la maladie des ormes qu'il a dû abattre dans le Cantal à la fin des années 80. Ce faisant, il s'est aperçu que les racines et les troncs de ces arbres avaient souvent des formes extraordinaires qu'il a eu envie d'utiliser sur un plan artistique. La sculpture est bientôt devenue un moyen d'expression qu'il a soigneusement exploré au fil des années, s'attachant avant tout aux matériaux naturels qui, décidément, présentaient à l'état brut des formes très intéressantes. L'artiste a eu d'abord une période « bois » (bois flotté, morceaux de bois que les tempêtes avaient arrachés aux arbres etc.). Puis, ayant appris à mieux observer les pierres volcaniques du Cantal, il a eu envie d'associer ces pierres -et un peu plus tard, d'autres pierres- au bois. Vint ensuite une période « animale » qui lui permit d'allier bois, pierre, os et corne par ex.

Le temps passant, de nouveaux matériaux vinrent enrichir l'ensemble, comme le métal, la résine ou le mortier, selon les besoins des pièces. Egalement proche de la littérature et de l'écriture, l'artiste eut enfin l'idée d'ajouter quelques poèmes ou proses poétiques à ses œuvres qu'il travaille parfois en séries, lesquelles, jamais terminées, ne cessent de se développer avec les années. Il y eut par ex. « Faiblesse des appendices » qui met l'accent sur le nez, la queue et le pénis. Puis, « Les trois mondes » (végétal, minéral, animal) et les « Cadrages », sculptures plus ou moins encadrées. En ce moment, il œuvre sur des « Bronze ersatz » qui ont l'aspect du bronze sans en être. La 9ème pièce de la série est actuellement en cours. Série qui sera représentée au 42ème Salon de Printemps de Saint-Aubin-lès-Elbeuf parmi les 10 pièces exposées. L'association bois, pierre, animal et poésie a donné naissance aux sculptures NaNa, assez proches de l'art primitif : Naturalistes et Narratives.

La sculpture NaNa suit un cheminement en quatre étapes :

1 - Recherche de matériaux naturels au cœur des trois mondes : minéral, végétal et animal
2 - Exploitation des formes de manière à les marier de façon la plus harmonieuse possible, tout en construisant une histoire guidée par le dessin et l'écriture. Alors, le thème se dévoile, la plupart du temps autour de la figure humaine, particulièrement chère à l'artiste, avec ses nombreux questionnements par rapport à elle-même et à tout ce qui l'entoure.
3 - Réalisation de la sculpture : assemblage, mise en scène, union des matériaux (acier, mortier, débris de plage, corde, verre, bois flotté, os, galets, pierre volcanique, limaille de fonte oxydée, cire à cacheter, etc.
4 – Exposition

Gilbert Landthaler montre son travail en public depuis le début des années 90, encouragé par un premier prix obtenu avec sa toute première sculpture « Genèse », embryon humain « extrait » d'une grosse souche d'orme. Les expositions se succèdent ensuite et il y est fréquemment invité d'honneur. Les années qui précédent sa retraite, en 2011, au terme d'une carrière de néphrologue-pédiatre au CHU de Rouen, lui permettent peu de travailler son art, mais depuis qu'il est retraité, il s'y consacre à plein temps et sculpte environ 13 à 15 œuvres par an.

Gilbert Landthaler a été membre de l'Atelier Normand Création de 1994 à 2005, puis à partir de 2014.
Il est aussi sociétaire du Salon de Rouen depuis 1997 et membre du Comité depuis 2015 (Responsable de la sculpture). Il a obtenu de nombreux prix en Normandie au fil de sa trentaine d'années de carrière. Ses expositions de groupe les plus marquantes sont « Les Voix de l'arbre » (1991) qui réunissaient 7 sculpteurs sur bois à la Chapelle du Carmel (Bois-Guillaume) dont Dilhac, Daön, Boquet, Godefroy, Ouared. Et la Rencontre Internationale de Sculpture Contemporaine (1992) au Musée Nicolas Poussin des Andelys. En cette année 2018, outre le 42ème Salon de Printemps de Saint-Aubin-lès-Elbeuf, cet érudit qui ne se prend pas au sérieux est aussi invité d'honneur au Salon de Le Thuit-Signol (du 17 au 25 février 2018) et participera au Salon Rouen National Art et au Salon de Saint-Jean-du-Cardonnay (les 10 et 11 mars 2018).

Elisabeth Le Borgne, critique d'art, écrivain